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花鸟画入门知识06:写意花鸟画的设色赋彩

发布者：泽居画城 | 发布时间：2016-05-07

开始学画，总觉得用色彩作画容易，单纯用墨创作就难。然而技法渐渐纯熟，便又感觉到作画用色也极不容易，非有长长时间的体会和实践是找不到门径的。清恽寿平在《瓯香馆集》中说：“画至着色，如人炉锚，重加锻炼，火候稍差，前功尽弃。” 赋彩也是花鸟画创作的必要过程，写意花鸟画家讲究赋彩和用笔用墨同样重要。要想创作出笔墨纯熟、风格多样而又色彩艳丽浓郁的花鸟画，使主题更加突出、画面更为丰富多彩，为广大人民所喜爱，就必须认真地研究赋彩问题。要掌握赋彩的技巧，首先要研究历代花鸟画家的用色方法，认真总结中国画的赋彩特点和规律，同时又必须深入现实，认真体验色彩给人的感觉，色彩的感情以及色和光的关系等等，来丰富自己对色彩的感受和认识。还要认真研究色彩和内容的统一，色彩和笔墨的配合等问题。中国画的赋彩并不要求一丝不变地去再现现实，而是要求画家面对现实，观察体验物象的色泽以及它们在风、晴、雨、雪、晦、明变化中的不同反映。这种变化，给予画家用色以极大的创造余地。善于观察，善于综合、夸张、集中、统一地运用色彩，创造色调，才能自出炉冶。用色彩作纹样、作画，在我国已有悠久的历史。山顶洞人的饰品，新石器时期的彩陶，两汉古墓壁画，魏晋以来的石窟壁画，以及唐、宋、元、明、清的绘画，都说明我国先民在赋彩方面具有优良的传统。今天各博物馆收藏的《洛神赋图》、《游舂图》、《写生珍禽图》、《芙蓉锦鸡图》等作品，都是早期赋彩卷轴画的代表，标志着我国古代画家在赋彩方面取得的成就。从这些各有特点、各具风格的作品中，可以看出古代画家对色彩的研究已经具有很高的水平。从历代绘画作品中，可以看出色彩运用的发展过程。盛唐时李思训父子以金碧名家，吴道子则擅水墨吴装。五代徐黄两家，由于环境和生活体验不同，各自形成一体，用色绝然不同，影响后世至深。两宋设立画院，以画取士，在继承前代用色经验的基础上，更有所提高和发展。勾填、勾染、淡彩之外，又兴起了没骨法，并与白描、水墨相结合，使运用色彩的领域更加宽广。在绘画理论方面，南齐谢赫在“六法论”中就提出“随类赋彩”作为评画标准。唐张彦远在《历代名画记》中提出了“若气韵不周，空陈形似，笔力未遒，空善赋彩”及“具其彩色，则失其笔法”的技法讨论。唐宋以后画家，又提出了笔墨与色彩的关系，这些都需要很好地研究。画家对色彩的运用，是随着欣赏色彩表现的感情而来。色彩的寒暖不同，给予人的感觉也不同。对色彩的感受，又和欣赏者的思想感情、审美观点、生活习惯有着不可分割的关系。画家在不同的思想基础、阶级感情和精神状态中，对色彩有着不同的喜爱和感受。画家运用色彩是有主观性的。不同的色彩给人以不同的感觉，同一色彩有时也会给人以不同的感觉。即使是同一个人，在不同的思想精神状态下，由于感情不同，对色彩的感受也不同，故对色彩的运用也有显著的不同。用色既贵现实，又要逐步创造不同的表现方法。历代花鸟画家，表现在画面上的色彩和运用的方法，都是各具面貌的。徐熙用色淡逸，黄筌赋彩富艳；明人习惯用淡彩，清赵之谦喜用色浓丽；今齐白石在继承文人水墨画的基础上，又融合了民间年画的用色方法，以浓墨来对比重彩，用朴厚的笔墨，表达了自己的思想感情。色彩的运用，首先要服从主题内容的需要，若单纯地以形式主义的手法来玩弄笔墨色彩，或泥法古人，甚至一成不变地去再现现实，都是错误的。创作一幅中国画，色彩也要求预先想好，成竹在胸，要根据内容的需要来设计颜色。古人说的“意在赤黄黑白之外”、“意足不求颜色似”，也就是说画家要表现客观物象的精神本质，不要为固有的色彩所范囿。一幅设色的花鸟画，要注意整体色彩的统一，注意主调的功用。要利用主色，在变化中协调画面众彩，以创造主调。山水画中所说的“浅绛”、“青绿”、“水墨”，就是表现主调的一般方法。今人也喜用主色来统调处理山水画面，进而增强整体感觉并使画幅具有装饰效果。这是要求调子统一的简而易行的办法，在花鸟画创作中也适用。用色既要符合生活真实，又要顾及艺术性的夸张，从而使笔下的物象更逼真、更感人。一幅色彩缤纷的花鸟画，尽管朱黛纷陈，必须分清主次，要举一色为主，众色为辅，做到主从揖让，配合照应。要使画面绚烂，气息新鲜，不在五彩兼施，赋彩净淡，也会产生浓重的效果。善于运用主调，使全幅情绪调子做到统一，有意地增减色阶，创造性地去处理色阶，这是使作品增强艺术性的重要方法。如果复杂色用得太多，一笔点出五颜六色，反而混乱而不能突出主调。只注意小处变化，失却大块色彩的对比，不会得到好的效果。

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